Eine lange, seltsame Reise

Genesis: Von den Warlocks zu den Grateful Dead (1960-1966)

Die Saat der Grateful Dead wurde in der fruchtbaren Folkszene der San Francisco Bay Area in den frühen 1960er Jahren gesät. Im Zentrum stand Jerry Garcia, ein talentierter Bluegrass-Banjospieler, der sich 1961 mit dem Blues-Enthusiasten Ron „Pigpen“ McKernan und dem zukünftigen Texter Robert Hunter zusammentat. Garcia, der mit 15 Jahren zur Gitarre griff, war tief in der amerikanischen Roots-Musik verwurzelt. Nach seinem Umzug nach Palo Alto kreuzten sich seine Wege mit denen von Hunter, dessen poetische Texte später zu einem Markenzeichen der Band werden sollten, und dem experimentierfreudigen Phil Lesh, einem Komponisten klassischer und elektronischer Musik. Nach verschiedenen kurzlebigen Formationen wie den „Mother McCree’s Uptown Jug Champions“ kristallisierte sich 1965 der Kern der zukünftigen Legende heraus. Garcia, McKernan, der junge Gitarrist Bob Weir, der Schlagzeuger Bill Kreutzmann und der klassisch ausgebildete Lesh am Bass gründeten eine elektrische Bluesband namens „The Warlocks“.

Der Name war jedoch nicht von Dauer. Eines Tages, als Garcia ein Wörterbuch durchblätterte, stieß er auf den Ausdruck „Grateful Dead“ – eine Phrase aus einem Volksmärchen über einen Reisenden, der die Schulden eines Verstorbenen begleicht und dafür von dessen Geist Hilfe erhält. Der Name passte perfekt zur mystischen und unkonventionellen Aura der Gruppe. Die Umbenennung fiel in eine Zeit radikaler kultureller Umbrüche. Die Band wurde schnell zum musikalischen Herzstück der „Acid Tests“ von Ken Kesey und seinen „Merry Pranksters“. Diese legendären, LSD-getränkten Partys waren multimediale Happenings mit psychedelischen Lichtshows, wilden Kostümen und freier Improvisation. Hier, im Labor der Gegenkultur, fanden die Grateful Dead ihren Sound. Sie spielten oft selbst unter dem Einfluss von LSD und verstanden ihre Musik als Soundtrack für die psychedelische Erfahrung – nicht als deren Nachahmung, sondern als deren Begleitung. Sie schufen einen sicheren, klanglichen Raum für die „Reisenden“. In dieser formativen Phase stieß auch der Chemiker und LSD-Produzent Augustus Owsley Stanley III zur Gruppe. „Bear“, wie er genannt wurde, war nicht nur ihr Drogenlieferant, sondern auch ihr erster Tontechniker und finanzieller Gönner. Er entwickelte innovative Soundsysteme und ermöglichte der Band, in einem Gemeinschaftshaus in der Ashbury Street 710, dem Epizentrum des aufkeimenden „Summer of Love“, zu leben und zu proben. Die Hinzunahme des zweiten Schlagzeugers Mickey Hart im Jahr 1967 vervollständigte die klassische Besetzung und schuf die rhythmische Grundlage für die kommenden Jahre der musikalischen Erkundung.

Die Americana-Wende und das Live-Erlebnis (1967-1974)

Nach einem ersten, eher unbefriedigenden Studioalbum im Jahr 1967, das die Live-Energie der Band kaum einfangen konnte, und den experimentellen, aber kostspieligen Alben „Anthem of the Sun“ (1968) und „Aoxomoxoa“ (1969), vollzog die Band eine entscheidende stilistische Wende. Das Jahr 1970 brachte zwei Meisterwerke hervor, die das Fundament ihres musikalischen Erbes zementierten: „Workingman’s Dead“ und „American Beauty“. Diese Alben waren eine liebevolle Verbeugung vor der amerikanischen Musiktradition. Die ausufernden psychedelischen Jams traten in den Hintergrund und machten Platz für prägnante, songorientierte Stücke, die von Folk, Country und dem „Bakersfield Sound“ inspiriert waren. Die komplexen Vokalharmonien, beeinflusst von Freunden wie Crosby, Stills, Nash & Young, zeigten eine neue Facette der Band. Songs wie „Uncle John’s Band“, „Casey Jones“, „Truckin'“ und „Sugar Magnolia“ wurden zu Klassikern und brachten der Band ein breiteres Publikum, ohne ihre Authentizität zu kompromittieren. Diese Alben waren nicht nur kommerziell erfolgreich, sondern etablierten die Grateful Dead endgültig als eine der wichtigsten amerikanischen Bands ihrer Zeit.

Trotz des Erfolgs ihrer Studioalben blieb die wahre Essenz der Grateful Dead die Bühne. Ihre Konzerte waren einzigartige, unvorhersehbare Ereignisse. Die Band spielte in ihrer dreißigjährigen Karriere fast nie dieselbe Setlist zweimal. Jede Show war ein Wagnis, eine „Performance ohne Netz“, bei der die Musik im Moment entstand. Die langen, improvisierten Jams waren Dialoge zwischen den Musikern und mit dem Publikum. Bob Dylan bemerkte einmal treffend, dass das Publikum bei den Dead „Teil der Band“ sei. Diese dynamische Wechselwirkung schuf eine Atmosphäre von Gemeinschaft und gemeinsamer Schöpfung, die für die Fans zu einer fast religiösen Erfahrung wurde. Die Band sah sich selbst nicht im Musikgeschäft, sondern im „Transportgeschäft“ – sie transportierten ihr Publikum an andere Orte, sowohl mental als auch emotional. Diese Philosophie, kombiniert mit der Erlaubnis an die Fans, Konzerte aufzunehmen und die Bänder frei zu tauschen, schuf eine beispiellose Loyalität. Die Live-Show wurde zum eigentlichen Produkt, und die Gemeinschaft der Deadheads wuchs zu einem reisenden Zirkus, der der Band von Stadt zu Stadt folgte und eine eigene, blühende Subkultur entwickelte.

Mainstream-Erfolg und die späten Jahre (1980-1995)

Die 1980er Jahre brachten für die Grateful Dead eine unerwartete Welle des Mainstream-Erfolgs. Nach einer Reihe solider, aber weniger bahnbrechender Alben in den späten 70ern, veröffentlichten sie 1987 das Album „In the Dark“. Die daraus ausgekoppelte Single „Touch of Grey“, mit ihrem eingängigen Refrain „I will get by, I will survive“, wurde zu einem Überraschungshit. Das dazugehörige Musikvideo lief auf MTV in Dauerschleife und katapultierte die Band, die jahrzehntelang am Rande des kommerziellen Erfolgs operiert hatte, plötzlich ins Rampenlicht der Popkultur. Die Konzerte, die schon immer gut besucht waren, füllten nun riesige Stadien. Eine neue Generation von Fans, angezogen durch den Hit, strömte zu den Shows. Dieser plötzliche Ruhm hatte jedoch auch seine Schattenseiten. Die intime Atmosphäre der früheren Konzerte ging in den riesigen Arenen teilweise verloren, und die schiere Masse an Menschen brachte logistische und soziale Probleme mit sich. Die Band und ihre treue, alteingesessene Fangemeinde mussten sich an eine neue Realität gewöhnen.

Trotz des kommerziellen Erfolgs blieb die Band ihrem Ethos treu. Sie tourten unermüdlich weiter und lieferten Nacht für Nacht einzigartige musikalische Erlebnisse. Doch die Jahre des exzessiven Lebensstils, des ununterbrochenen Tourens und der inneren Dämonen forderten ihren Tribut, insbesondere von Jerry Garcia. Seine Gesundheit verschlechterte sich zusehends. Er kämpfte mit Drogensucht und den damit verbundenen gesundheitlichen Problemen, darunter ein diabetisches Koma im Jahr 1986, das er wie durch ein Wunder überlebte. Obwohl er sich immer wieder erholte und auf die Bühne zurückkehrte, war der körperliche und seelische Verfall unübersehbar. Die Band spielte ihr letztes Konzert am 9. Juli 1995 im Soldier Field in Chicago. Nur einen Monat später, am 9. August 1995, starb Jerry Garcia in einem Drogenentzugszentrum in Kalifornien. Sein Tod markierte das offizielle Ende der Grateful Dead. Die lange, seltsame Reise war zu Ende, doch die Musik und das von ihr geschaffene Erbe waren unsterblich geworden.

Der Fluch der Keyboarder

Eine der dunkelsten und bizarrsten Serien von Ereignissen in der Geschichte der Grateful Dead ist die tragische Kette von Todesfällen, die ihre Keyboarder ereilte. Es begann mit dem Tod des Gründungsmitglieds Ron „Pigpen“ McKernan im Jahr 1973. Sein Nachfolger wurde Keith Godchaux (19. Juli 1948 – 23. Juli 1980), ein talentierter Pianist mit einem jazzigen Stil, der den Sound der 70er Jahre maßgeblich mitprägte. Zusammen mit seiner Frau Donna Jean Godchaux am Gesang brachte er eine neue Dynamik in die Band. Doch auch Keith kämpfte mit Drogen- und Alkoholproblemen, die sein Spiel beeinträchtigten und 1979 zu seinem Ausschluss aus der Band führten. Nur ein Jahr später starb er bei einem Autounfall. Er wurde 32 Jahre alt.

Sein Ersatz war Brent Mydland (21. Oktober 1952 – 26. Juli 1990). Mydland hatte die längste Amtszeit aller Keyboarder und wurde zu einer beliebten Figur bei den Fans. Seine raue, leidenschaftliche Stimme und sein vielseitiges Spiel auf der Hammond-Orgel und den Synthesizern prägten den Sound der 80er Jahre und trugen maßgeblich zum späten kommerziellen Erfolg der Band bei. Doch auch er kämpfte mit den Schattenseiten des Lebens „on the road“. Am 26. Juli 1990 starb er an einer versehentlichen Überdosis Drogen. Er war der dritte Keyboarder der Band, der auf tragische Weise ums Leben kam.

Der letzte Keyboarder der Grateful Dead war Vince Welnick (21. Februar 1951 – 2. Juni 2006). Welnick, der zuvor bei der Band The Tubes gespielt hatte, stand vor der undankbaren Aufgabe, in diese tragischen Fußstapfen zu treten. Er spielte mit der Band bis zu Garcias Tod 1995. Danach kämpfte er mit Depressionen, die durch eine Krebsdiagnose und das Gefühl, von den anderen Mitgliedern bei den Nachfolgeprojekten ausgeschlossen zu werden, verstärkt wurden. Im Jahr 2006 nahm er sich das Leben. Diese unheimliche Serie von Verlusten wurde als der „Fluch des Grateful Dead-Keyboarders“ bekannt und ist ein düsteres Kapitel in der ansonsten so lebensbejahenden Geschichte der Band.

Legendäre Auftritte und Kollaborationen

Die Triumphe der Grateful Dead wurden auf der Bühne gefeiert. Aus den tausenden von Konzerten ragen einige als besonders legendär heraus. Der Auftritt am 8. Mai 1977 in der Barton Hall der Cornell University gilt unter vielen Deadheads als das „perfekte“ Konzert und wurde wegen seiner kulturellen Bedeutung in das National Recording Registry der Library of Congress aufgenommen. Die Europatournee 1972, dokumentiert auf dem gleichnamigen Live-Album, zeigte die Band auf dem Höhepunkt ihrer kreativen Kräfte. Die Konzerte am Fuße der Pyramiden von Gizeh in Ägypten 1978 waren ein surreales und ambitioniertes Unterfangen, das den mystischen Status der Band weiter festigte. Jede dieser Shows war ein Beweis für ihre einzigartige Fähigkeit, im Moment Magie zu erzeugen.

Die Offenheit der Band für musikalische Experimente zeigte sich auch in ihren zahlreichen Kollaborationen. Die gemeinsame Stadiontournee mit Bob Dylan im Jahr 1987 war ein Zusammentreffen zweier amerikanischer Ikonen und führte zum Album „Dylan & the Dead“. Im Laufe der Jahre teilten sie die Bühne mit einer beeindruckenden Reihe von Gastmusikern, darunter der Jazz-Saxophonist Branford Marsalis, dessen Auftritte mit der Band in den frühen 90ern legendär sind, der Allman Brothers-Gitarrist Duane Allman, der auf einigen frühen Aufnahmen zu hören ist, und sogar der Beat-Poet Ken Nordine. Diese Kollaborationen waren keine Gimmicks, sondern echte musikalische Dialoge, die den Horizont der Band ständig erweiterten und ihre Position als musikalischer Schmelztiegel untermauerten.