Das Alan Parsons Project war weniger eine Band im herkömmlichen Sinne als vielmehr eine künstlerische Vision, die von zwei außergewöhnlichen Talenten geteilt wurde: dem Tontechniker und Produzenten Alan Parsons und dem Komponisten, Texter und Sänger Eric Woolfson. Ihre Zusammenarbeit schuf ein einzigartiges musikalisches Universum, das Progressive Rock, Pop und klassische Elemente zu einem symphonischen Ganzen verband. Ihre Alben waren keine bloßen Ansammlungen von Liedern, sondern tiefgründige, konzeptionelle Werke, die sich mit Themen wie Literatur, Technologie und der menschlichen Psyche auseinandersetzten. Die Geschichte des Alan Parsons Project ist die Geschichte einer Partnerschaft, die die Grenzen der Musikproduktion neu definierte und ein zeitloses Vermächtnis hinterließ.

Die visionäre Begegnung und die Anfänge im Studio

Die Ursprünge des Alan Parsons Project liegen in den legendären Abbey Road Studios in London, einem Ort, der bereits Musikgeschichte geschrieben hatte. Hier kreuzten sich die Wege von Alan Parsons und Eric Woolfson im Sommer 1974. Parsons, geboren am 20. Dezember 1948 in London, hatte sich bereits einen Namen als herausragender Tontechniker gemacht. Seine Arbeit an Alben wie „Abbey Road“ von den Beatles und vor allem Pink Floyds „The Dark Side of the Moon“ hatte ihm weltweite Anerkennung und eine Grammy-Nominierung eingebracht. Er war ein Meister des Studios, ein Klangarchitekt, der die technischen Möglichkeiten der damaligen Zeit bis an ihre Grenzen ausreizte. Sein tiefes Verständnis für Klangtexturen und atmosphärische Dichte sollte zum Markenzeichen des späteren Projekts werden.

Eric Woolfson, geboren am 18. März 1945 in Glasgow, Schottland, war das kreative und lyrische Herz des Duos. Er war ein begabter Komponist und Pianist, der seine Karriere als Songschreiber für verschiedene Künstler begonnen hatte. Doch Woolfson war mehr als nur ein Musiker; er war ein Denker und Konzeptkünstler. Unzufrieden mit den Kompromissen, die er als Songschreiber für andere eingehen musste, strebte er danach, seine eigenen, komplexeren Ideen zu verwirklichen. Als er Parsons traf, managte er gerade die Band Pilot, deren Album Parsons produzierte. Woolfson erkannte sofort das Potenzial einer Zusammenarbeit. Er hatte die musikalischen und textlichen Konzepte, und Parsons besaß die Fähigkeit, diese Visionen in klangliche Realität umzusetzen.

Ihre erste gemeinsame Idee war revolutionär für die damalige Zeit. Inspiriert von der Filmindustrie, wo Regisseure wie Alfred Hitchcock oder Stanley Kubrick die kreative Kontrolle über ihre Werke hatten und Schauspieler je nach Bedarf besetzten, wollten sie ein ähnliches Modell auf die Musik übertragen. Das „Project“ sollte ein fließendes Gebilde sein, bei dem Parsons und Woolfson die zentralen kreativen Köpfe blieben, während Gastsänger und -musiker eingeladen wurden, um den jeweiligen Songs ihre Stimme und ihr Talent zu leihen. Dies gab ihnen die Freiheit, für jeden Titel den perfekten Interpreten zu finden, ohne an die Einschränkungen einer festen Bandbesetzung gebunden zu sein. Diese Struktur ermöglichte es ihnen, eine breite Palette an Stilen und Stimmungen zu erkunden und gleichzeitig einen kohärenten und wiedererkennbaren Sound beizubehalten.

Meilenstein: Tales of Mystery and Imagination

Das Debütalbum von 1976, basierend auf den Werken von Edgar Allan Poe, legte den Grundstein für den konzeptionellen und symphonischen Sound des Projects. Es war ein kühnes Experiment, das die dunkle, makabre Atmosphäre von Poes Geschichten in ein opulentes Klangerlebnis verwandelte.

Trackliste anzeigen/verbergen

1. A Dream Within a Dream
2. The Raven
3. The Tell-Tale Heart
4. The Cask of Amontillado
5. (The System of) Dr. Tarr and Professor Fether
6. The Fall of the House of Usher (Suite)
7. To One in Paradise

Der kommerzielle Durchbruch und die goldenen Jahre

Nach dem künstlerischen Erfolg ihres Debüts „Tales of Mystery and Imagination“ folgte eine Phase außergewöhnlicher Kreativität und kommerziellen Erfolgs. Mit ihrem zweiten Album, „I Robot“ (1977), inspiriert von den Robotergeschichten Isaac Asimovs, gelang ihnen der endgültige Durchbruch. Das Album erforschte Themen wie künstliche Intelligenz und die Entfremdung des Menschen in einer technisierten Welt. Musikalisch war es eine Weiterentwicklung des symphonischen Sounds, angereichert mit Elementen aus Funk und Disco. Die gleichnamige Single und der eingängige Instrumentaltrack „I, Robot“ wurden zu Klassikern und brachten dem Project weltweite Chartplatzierungen ein. Das Album erhielt eine Platin-Auszeichnung und etablierte das Duo als feste Größe in der internationalen Musikszene.

Der Nachfolger „Pyramid“ (1978) knüpfte an diesen Erfolg an. Thematisch widmete sich das Album dem Aufstieg und Fall von Dynastien und der Faszination der Menschheit für das Alte Ägypten und mystische Phänomene. Songs wie „Voyager“ und „What Goes Up…“ zeigten die Fähigkeit des Duos, philosophische Konzepte in zugängliche, aber dennoch anspruchsvolle Musik zu verwandeln. Ein Jahr später, 1979, erschien „Eve“, ein Album, das sich aus einer weiblichen Perspektive mit der Komplexität zwischenmenschlicher Beziehungen und der Stärke von Frauen auseinandersetzte. Obwohl es kommerziell nicht ganz an die Vorgänger anknüpfen konnte, enthielt es mit „Lucifer“ einen ihrer bekanntesten Instrumentaltracks und mit „Damned If I Do“ einen weiteren Single-Hit.

Der Höhepunkt ihrer kommerziellen Karriere wurde zweifellos mit „The Turn of a Friendly Card“ im Jahr 1980 erreicht. Dieses Konzeptalbum über die Verlockungen und Gefahren des Glücksspiels brachte gleich mehrere Hits hervor. „Games People Play“ und das melancholische „Time“, gesungen von Eric Woolfson selbst, wurden zu internationalen Evergreens. Der Titeltrack, eine epische Suite, zeigte die Meisterschaft des Projects in der Verbindung von eingängigen Melodien und komplexen Arrangements. Das Album verkaufte sich millionenfach und festigte ihren Ruf als Meister des Konzeptalbums. Es war die perfekte Symbiose aus Woolfsons erzählerischem Talent und Parsons‘ makelloser Produktion.

Mit „Eye in the Sky“ (1982) gelang ihnen ihr wohl größter und bekanntester Hit. Der Titeltrack, mit seiner sanften Melodie und dem schwebenden Gesang von Eric Woolfson, wurde zu einer globalen Hymne und ist bis heute ihr Markenzeichen. Das Album selbst, das sich mit Themen wie Überwachung und dem Verlust der Privatsphäre befasst, war ein weiterer enormer Erfolg und markierte den Zenit ihrer Popularität. Der Instrumentaltrack „Sirius“, der nahtlos in „Eye in the Sky“ übergeht, erlangte zusätzliche Berühmtheit als Einlaufmusik des Basketballteams Chicago Bulls während der Ära von Michael Jordan. Dieser Erfolg demonstrierte eindrücklich, wie die Musik des Projects auch über die Grenzen der Rockmusik hinaus kulturelle Bedeutung erlangte.

Meilenstein: Eye in the Sky

Das kommerziell erfolgreichste Album aus dem Jahr 1982. Der Titeltrack wurde zu einem Welthit und das instrumentale Intro „Sirius“ erlangte als Hymne der Chicago Bulls Kultstatus. Thematisch befasst es sich mit Glauben, Überwachung und Wahrnehmung.

Trackliste anzeigen/verbergen

1. Sirius
2. Eye in the Sky
3. Children of the Moon
4. Gemini
5. Silence and I
6. You’re Gonna Get Your Fingers Burned
7. Psychobabble
8. Mammagamma
9. Step by Step
10. Old and Wise

Die späteren Jahre, die Trennung und das Soloschaffen

Nach dem überwältigenden Erfolg von „Eye in the Sky“ änderte sich die musikalische Landschaft in den 1980er Jahren rapide. Der Aufstieg von MTV und der Fokus auf visuell geprägten Pop stellten eine Herausforderung für das eher anonyme und studiolastige Konzept des Alan Parsons Project dar. Dennoch setzten Parsons und Woolfson ihre Arbeit fort. Das Album „Ammonia Avenue“ (1984) war ein Versuch, ihren Sound einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Es enthielt den eingängigen Hit „Don’t Answer Me“, dessen Musikvideo im Stil eines alten Comics gehalten war und auf MTV erfolgreich lief. Das Album war kommerziell erfolgreich, doch einige Kritiker und langjährige Fans bemängelten eine Abkehr vom komplexen Progressive-Rock-Sound der früheren Jahre.

„Vulture Culture“ (1985) und „Stereotomy“ (1986) setzten diesen Trend fort. Die Alben waren stark von den Synthesizer-Sounds der 80er Jahre geprägt und wirkten stromlinienförmiger. Obwohl sie qualitativ hochwertige Produktionen waren und mit Songs wie „Let’s Talk About Me“ und dem Titeltrack von „Stereotomy“ Achtungserfolge erzielten, erreichten sie nicht mehr die Verkaufszahlen und die kulturelle Relevanz ihrer Vorgänger. Kreative Spannungen zwischen Parsons und Woolfson begannen sich abzuzeichnen. Woolfson strebte zunehmend danach, seine musikalischen Ideen im Theater umzusetzen, während Parsons sich weiterhin auf die Albumproduktion konzentrieren wollte.

Das letzte offizielle Album des Alan Parsons Project, „Gaudi“ (1987), war eine Hommage an den berühmten katalanischen Architekten Antoni Gaudí. Es war eine Rückkehr zu einem stärker konzeptionellen Ansatz und wurde von vielen als würdevoller Abschluss ihrer gemeinsamen Arbeit angesehen. Nach „Gaudi“ gingen Parsons und Woolfson getrennte Wege, auch wenn die Trennung offiziell erst 1990 bekannt gegeben wurde. Es war das Ende einer Ära, aber nicht das Ende ihrer jeweiligen musikalischen Reisen.

Eric Woolfson widmete sich seiner Leidenschaft für das Musiktheater. Sein Musical „Freudiana“, das sich mit dem Leben und Werk von Sigmund Freud befasste, wurde 1990 in Wien uraufgeführt. Alan Parsons produzierte das Album zum Musical, was ihre letzte große Zusammenarbeit darstellte. Später schuf Woolfson weitere Musicals wie „Gaudi“ und „Gambler“. Eric Woolfson verstarb am 2. Dezember 2009 im Alter von 64 Jahren an den Folgen einer Krebserkrankung und hinterließ ein reiches musikalisches Erbe. Alan Parsons setzte seine Karriere als Solokünstler fort und veröffentlichte Alben unter seinem eigenen Namen, wie „Try Anything Once“ (1993) und „The Time Machine“ (1999). Er begann auch intensiv zu touren, was er während der Zeit des Projects stets vermieden hatte. Mit seiner Live-Band brachte er die Musik des Alan Parsons Project erstmals auf die Bühnen der Welt und fand ein begeistertes Publikum.

Das Kollektiv: Mehr als nur Parsons und Woolfson

Obwohl Alan Parsons und Eric Woolfson die unbestrittenen Köpfe des Projekts waren, wäre ihr Erfolg ohne das beeindruckende Kollektiv an Musikern und Sängern, das sie um sich versammelten, undenkbar. Eine der Schlüsselfiguren war der Dirigent und Arrangeur Andrew Powell. Seine Fähigkeit, opulente Orchester- und Chorarrangements zu schreiben, war entscheidend für den symphonischen Klang der frühen Alben. Powell, geboren am 18. April 1949, verlieh Stücken wie „The Fall of the House of Usher“ eine majestätische, fast filmische Qualität und blieb ein wichtiger musikalischer Partner über viele Jahre.

Ein weiterer Eckpfeiler des Sounds war der Gitarrist Ian Bairnson (geboren am 3. August 1953, gestorben am 7. April 2023). Bairnson war ein unglaublich vielseitiger Musiker, dessen Gitarrenspiel von gefühlvollen Soli bis hin zu rockigen Riffs reichte. Seine Fähigkeit, genau den richtigen Ton für jeden Song zu finden, machte ihn unverzichtbar. Er war auf jedem Album des Projects zu hören und prägte den Klang maßgeblich. Nach dem Ende des Projects spielte er weiterhin in Alan Parsons‘ Live-Band und arbeitete mit Künstlern wie Kate Bush zusammen. Sein Tod im Jahr 2023 hinterließ eine große Lücke in der Musikwelt.

Am Bass war David Paton (geboren am 29. Oktober 1949) eine feste Größe. Wie Bairnson war auch er Mitglied der Band Pilot, die von Woolfson gemanagt wurde. Patons melodisches und präzises Bassspiel bildete das Fundament vieler Songs. Er war nicht nur Bassist, sondern auch ein talentierter Sänger, der auf einigen Titeln wie „What Goes Up…“ die Lead-Vocals übernahm. Stuart Elliott (geboren am 22. Mai 1953) am Schlagzeug vervollständigte die Rhythmussektion. Sein dynamisches und zugleich songdienliches Spiel gab der Musik den nötigen Antrieb. Die Chemie zwischen Paton und Elliott war die eines eingespielten Teams, das den oft komplexen Arrangements Stabilität und Groove verlieh.

Die Liste der Gastsänger ist lang und eindrucksvoll. Lenny Zakatek war eine der markantesten Stimmen und sang Hits wie „I Wouldn’t Want to Be Like You“ und „Games People Play“. John Miles lieh dem epischen „The Cask of Amontillado“ seine kraftvolle Stimme. Chris Rainbow (geboren am 18. November 1946, gestorben am 22. Februar 2015) war nicht nur für seine Lead-Vocals auf „The Turn of a Friendly Card“ bekannt, sondern auch für seine brillanten, vielschichtigen Harmoniegesänge, die zu einem Markenzeichen des Project-Sounds wurden. Weitere wichtige Sänger waren Colin Blunstone von den Zombies („Old and Wise“), Gary Brooker von Procol Harum und natürlich Eric Woolfson selbst, der mit seiner sanften, melancholischen Stimme Hits wie „Time“ und „Eye in the Sky“ unvergesslich machte.

The Alan Parsons Symphonic Project: Die Musik auf großer Bühne

Nachdem Alan Parsons in den 90er Jahren erfolgreich mit seiner Live-Band tourte, entstand der Wunsch, die epische und orchestrale Dimension seiner Musik in einem noch größeren Rahmen zu präsentieren. Dies führte zur Gründung des „Alan Parsons Symphonic Project“. Die Idee war, die klassische Rockband-Besetzung mit einem vollen Symphonieorchester zu kombinieren, um die vielschichtigen Arrangements der Studioalben live in ihrer ganzen Pracht wiederzugeben. Dieses Konzept war die logische Konsequenz einer Musik, die schon immer von der Fusion aus Rock und Klassik gelebt hatte.

Einer der denkwürdigsten Auftritte fand 2013 im Parque Pies Descalzos in Medellín, Kolumbien, statt. Vor einem riesigen Publikum spielte die Band zusammen mit dem Medellín Philharmonic Orchestra. Das Konzert, das später als Live-Album und DVD unter dem Titel „The Alan Parsons Symphonic Project: Live in Colombia“ veröffentlicht wurde, war ein triumphaler Erfolg. Es zeigte eindrucksvoll, wie zeitlos die Kompositionen sind und wie kraftvoll sie in dieser symphonischen Inkarnation wirken. Die Setlist umfasste alle großen Hits, von „I Robot“ über „Eye in the Sky“ bis hin zu seltener gespielten Stücken, die durch die orchestrale Begleitung eine neue Tiefe erhielten. Die Energie der Band, kombiniert mit der Präzision des Orchesters, schuf ein unvergessliches Erlebnis für die Zuschauer und bewies, dass die Vision des Alan Parsons Project auch Jahrzehnte nach ihrer Entstehung noch immer fesseln kann. Dieses Projekt war nicht nur eine Nostalgie-Show, sondern eine lebendige und kraftvolle Neuinterpretation eines einzigartigen musikalischen Katalogs.

Die Konzerte des Symphonic Project sind aufwendige Produktionen, die eine perfekte Synchronisation zwischen Rockband und Orchester erfordern. Alan Parsons, der Perfektionist aus dem Studio, überwacht jedes Detail, um sicherzustellen, dass der Klang seinen hohen Standards entspricht. Für viele Fans war es die Erfüllung eines lang gehegten Traums, die Musik, die sie jahrzehntelang nur von den Alben kannten, in dieser monumentalen Form live zu erleben. Es ist ein würdiges Zeugnis für das musikalische Vermächtnis von Parsons und Woolfson, das zeigt, dass ihre konzeptionelle Kunst den Test der Zeit bestanden hat und weiterhin Generationen von Musikliebhabern inspiriert.