Wenn man die Geschichte der Rockmusik betrachtet, gibt es nur wenige Bands, die ein so einzigartiges und wiedererkennbares Klangbild geschaffen haben wie Jethro Tull. Angeführt von der charismatischen und exzentrischen Figur des Ian Anderson, der die Querflöte von einem Nischeninstrument zu einem kraftvollen Lead-Instrument im Rock erhob, hat die Band über fünf Jahrzehnte hinweg die Grenzen von Genres gesprengt. Ihre Musik ist eine komplexe Melange aus Hardrock, Blues, englischer Folkmusik und klassischen Einflüssen, verpackt in oft kryptische, literarische Texte. Jethro Tull war nie eine Band, die sich dem Mainstream anpasste; stattdessen zwang sie den Mainstream, sich ihr zuzuwenden. Ihre Geschichte ist geprägt von ständiger musikalischer Neuerfindung, einer schwindelerregenden Anzahl an Besetzungswechseln und dem unerschütterlichen Willen ihres Anführers, seine künstlerische Vision kompromisslos zu verfolgen.

Die Anfänge im britischen Blues-Boom

Die Wurzeln von Jethro Tull reichen bis in die Mitte der 1960er Jahre nach Blackpool, England, zurück. Ein junger Ian Anderson, geboren am 10. August 1947 in Dunfermline, Schottland, gründete mit Schulfreunden, darunter der spätere Jethro-Tull-Bassist Jeffrey Hammond und der Keyboarder John Evan, seine erste Band, The Blades. Die Gruppe durchlief mehrere Namens- und Stiländerungen und zog schließlich nach Luton, nahe London, um näher am Epizentrum der aufkeimenden britischen Musikszene zu sein. Zu dieser Zeit stießen der Gitarrist Mick Abrahams und der Schlagzeuger Clive Bunker zur Band, während Glenn Cornick den Bass übernahm. Die Gruppe hatte Schwierigkeiten, regelmäßige Auftritte zu bekommen, und nahm daher oft den Namen an, den ihnen der jeweilige Club-Besitzer gab. Einer dieser Namen, vorgeschlagen von einem geschichtsbegeisterten Agenten, war „Jethro Tull“, nach dem englischen Agrarpionier des 18. Jahrhunderts. Der Name blieb hängen, weil sie unter diesem Pseudonym endlich einen Folgeauftritt im legendären Londoner Marquee Club erhielten.

Ihr Sound war anfangs tief im Blues verwurzelt, inspiriert von Künstlern wie John Mayall’s Bluesbreakers und Cream. Mick Abrahams war ein Blues-Purist, dessen Gitarrenspiel den frühen Klang der Band dominierte. Ian Anderson hingegen strebte nach mehr. Er erkannte, dass er als Gitarrist niemals mit den Größen wie Eric Clapton würde konkurrieren können. In einem Akt der musikalischen Selbsterneuerung tauschte er seine Gitarre gegen eine Querflöte ein. Er entwickelte in erstaunlich kurzer Zeit einen aggressiven, perkussiven Spielstil, der einzigartig war. Er sang, grunzte und schrie in die Flöte hinein und schuf einen wilden, unverkennbaren Sound. Diese Kombination aus Abrahams‘ erdigem Blues und Andersons theatralischem Flötenspiel, gepaart mit seiner manischen Bühnenpräsenz – oft auf einem Bein stehend wie ein zerzauster Kranich – verschaffte der Band schnell Aufmerksamkeit. Ihr Debütalbum „This Was“, veröffentlicht 1968, war ein solides Bluesrock-Album, das bereits Andeutungen auf die zukünftige Richtung der Band enthielt, insbesondere in Stücken wie „Serenade to a Cuckoo“, wo Andersons Flöte bereits im Mittelpunkt stand.

Der Durchbruch und die Abkehr vom Blues

Nach dem relativen Erfolg von „This Was“ kam es zu ersten internen Spannungen. Mick Abrahams wollte den eingeschlagenen Blues-Pfad weiterverfolgen, während Ian Anderson die Band in eine experimentellere, folkigere und komplexere Richtung führen wollte. Der Konflikt war unüberbrückbar, und Abrahams verließ die Band, um seine eigene Blues-Formation, Blodwyn Pig, zu gründen. Sein Weggang markierte einen entscheidenden Wendepunkt. Nach einer kurzen Übergangsphase, in der sogar Tony Iommi von Black Sabbath für wenige Tage zur Band gehörte, fand man in Martin Barre den perfekten Nachfolger. Barre war kein reiner Blues-Gitarrist; sein Stil war vielseitiger und offener für die komplexen Arrangements, die Anderson vorschwebten. Er wurde zu einer Konstante in der Band und blieb über 40 Jahre lang Andersons wichtigster musikalischer Partner.

Mit Barre an der Gitarre nahm die Band 1969 ihr zweites Album auf: „Stand Up“. Dieses Album war eine Befreiung und eine künstlerische Neuerfindung. Es distanzierte sich deutlich vom reinen Blues und integrierte Elemente aus Folk, Jazz und klassischer Musik. Das Albumcover, ein Pop-up-Bild der Band, war ebenso innovativ wie die Musik selbst. Songs wie „Bourée“, eine rockige Adaption eines Stücks von Johann Sebastian Bach, zeigten Andersons kompositorisches Genie und Barres Fähigkeit, komplexe Melodien mit rockiger Energie zu verbinden. Das Album schoss auf Platz 1 der britischen Charts und machte Jethro Tull über Nacht zu Stars. Es war der Beweis, dass Andersons Vision richtig war und legte den Grundstein für den Sound, der die Band in den folgenden Jahren definieren sollte: eine dynamische Mischung aus harten Rockriffs, filigranen akustischen Passagen und der allgegenwärtigen, virtuosen Querflöte.

Die Ära der großen Konzeptalben

Anfang der 1970er Jahre, auf dem Höhepunkt der Progressive-Rock-Bewegung, erreichte Jethro Tull seinen kreativen und kommerziellen Zenit. Die Band, nun mit John Evan an den Keyboards und Andersons Jugendfreund Jeffrey Hammond am Bass, entwickelte einen immer komplexeren und thematisch anspruchsvolleren Stil. Das Album „Benefit“ (1970) war ein Übergangswerk, düsterer und zynischer als seine Vorgänger, aber es bereitete den Boden für das, was folgen sollte.

1971 veröffentlichte die Band ihr Meisterwerk: „Aqualung“. Obwohl Anderson selbst es stets bestritt, wird es oft als Konzeptalbum bezeichnet. Die erste Seite der LP beschäftigt sich mit gesellschaftlichen Außenseitern und Ausgestoßenen, prominent im Titelstück über einen obdachlosen Pädophilen und in „Cross-Eyed Mary“ über eine junge Prostituierte. Die zweite Seite ist eine scharfe, bissige Abrechnung mit der organisierten Religion, insbesondere der Church of England. Songs wie „My God“ und „Hymn 43“ sind direkte Angriffe auf die Heuchelei und die Machtstrukturen der Kirche. Musikalisch ist „Aqualung“ ein Meisterwerk der Dynamik. Es wechselt nahtlos zwischen donnernden Hardrock-Riffs, wie im Titelsong und in „Locomotive Breath“, und zarten, akustischen Balladen wie „Wond’ring Aloud“ und „Slipstream“. Das Album wurde ein weltweiter Bestseller und etablierte Jethro Tull endgültig als eine der größten Rockbands der Welt.

Beflügelt vom Erfolg, aber auch genervt von der „Konzeptalbum“-Schublade, beschloss Anderson, die Idee ad absurdum zu führen. Das Ergebnis war „Thick as a Brick“ (1972), ein Album, das aus einem einzigen, 43 Minuten langen Song besteht, der über beide LP-Seiten verteilt ist. Die Musik ist ein schwindelerregendes, komplexes Geflecht aus wechselnden Taktarten, Motiven und Stilen, das die gesamte Bandbreite des Könnens der Band zur Schau stellt. Der Text, angeblich das Gedicht eines fiktiven achtjährigen Wunderkindes namens Gerald Bostock, ist eine satirische Auseinandersetzung mit dem Erwachsenwerden und den Konventionen der britischen Gesellschaft. Das Album wurde in eine aufwendig gestaltete Zeitungshülle verpackt, die die Parodie perfekt machte. Wider Erwarten wurde „Thick as a Brick“ ein riesiger Erfolg und erreichte Platz 1 der US-Billboard-Charts. Es gilt heute als einer der Höhepunkte des Progressive Rock.

Der Nachfolger, „A Passion Play“ (1973), war noch dichter und undurchdringlicher. Es erzählte die Geschichte eines Mannes nach seinem Tod im Fegefeuer und war musikalisch extrem anspruchsvoll. Obwohl es ebenfalls kommerziell erfolgreich war, spaltete es die Kritiker. Viele empfanden es als prätentiös und überladen. Die oft harschen Verrisse trafen Anderson tief und führten dazu, dass er vorübergehend über eine Auflösung der Band nachdachte. Diese Phase, von „Aqualung“ bis „A Passion Play“, repräsentiert Jethro Tull auf dem Gipfel ihrer Ambitionen – eine Band, die bereit war, jedes musikalische und konzeptionelle Risiko einzugehen.

Wandel, Folk-Trilogie und personelle Umbrüche

Nach der anstrengenden Phase der komplexen Konzeptalben schlug Jethro Tull ab Mitte der 1970er Jahre eine neue Richtung ein. Das Album „War Child“ (1974) war eine Rückkehr zu kürzeren, zugänglicheren Songs, die ursprünglich für ein Filmprojekt gedacht waren. Es enthielt Hits wie „Bungle in the Jungle“, bewahrte aber immer noch die musikalische Raffinesse der Band. Es folgte eine Phase der Konsolidierung und des personellen Wandels. Der langjährige Bassist Jeffrey Hammond verließ die Band, um sich der Malerei zu widmen, und wurde durch John Glascock ersetzt. In dieser Besetzung erreichte die Band eine hohe musikalische Stabilität.

Ende der 70er Jahre wandte sich Anderson verstärkt seinen Wurzeln in der britischen Folkmusik zu. Das Ergebnis war eine inoffizielle „Folk-Rock-Trilogie“, die zu den beliebtesten Werken der Band zählt. Sie begann 1977 mit „Songs from the Wood“. Das Album ist eine Hommage an das ländliche, mythische England, voller Bilder von alten Wäldern, heidnischen Ritualen und dem Wechsel der Jahreszeiten. Der Sound ist reich und organisch, geprägt von akustischen Instrumenten, mehrstimmigen Gesängen und Andersons Flötenspiel. Es war eine Abkehr von der Düsternis der vorherigen Alben und strahlte eine positive, fast ausgelassene Atmosphäre aus. Der Nachfolger „Heavy Horses“ (1978) setzte dieses Thema fort, konzentrierte sich aber auf die vom Aussterben bedrohten Tiere und die verschwindende Agrarkultur. Die Stimmung ist melancholischer und reflektierter. Das Album gilt als eines der stärksten der Band, mit epischen Stücken, die die Verbindung zwischen Mensch und Natur thematisieren. Die Trilogie wurde 1979 mit „Stormwatch“ abgeschlossen. Dieses Album war deutlich düsterer und pessimistischer, angetrieben von Sorgen über Umweltzerstörung und eine drohende neue Eiszeit. Die Aufnahmen waren von persönlichen Tragödien überschattet. Bassist John Glascock litt an einer schweren Herzerkrankung, die ihn zwang, die meisten Bassparts Ian Anderson zu überlassen. Glascock verstarb kurz nach der Veröffentlichung des Albums im Alter von nur 28 Jahren, was das Ende dieser Ära der Band markierte.

Die 80er, Elektronik und das Vermächtnis

Die 1980er Jahre begannen mit einem radikalen Bruch. Anderson beabsichtigte, ein Soloalbum mit elektronischeren Klängen aufzunehmen, bei dem Martin Barre und der Bassist Dave Pegg mitwirken sollten. Die Plattenfirma bestand jedoch darauf, es unter dem Namen Jethro Tull zu veröffentlichen. Das Ergebnis, das Album „A“ (1980), präsentierte einen völlig neuen Sound, der von Synthesizern und elektronischen Drums dominiert wurde. Dies führte zur Entlassung der langjährigen Mitglieder John Evan und Barriemore Barlow, die sich mit dem neuen Stil nicht anfreunden konnten. Dieser Schritt entfremdete viele alte Fans und wurde von Anderson später als einer seiner größten Fehler bezeichnet.

Die Band experimentierte in den folgenden Jahren weiter mit elektronischen Einflüssen, etwa auf „Under Wraps“ (1984). Nach einer schweren Halserkrankung Andersons, die seine Stimme dauerhaft veränderte, legte die Band eine Pause ein. Ihr Comeback-Album „Crest of a Knave“ (1987) kehrte zu einem gitarrenorientierteren Hardrock-Sound zurück, der stark an Dire Straits erinnerte. Überraschenderweise gewann dieses Album 1989 den Grammy Award für die „Best Hard Rock/Metal Performance“ und setzte sich dabei gegen den haushohen Favoriten Metallica durch. Diese Entscheidung gilt bis heute als eine der umstrittensten in der Geschichte der Grammys und sorgte für Spott, obwohl das Album kommerziell sehr erfolgreich war.

In den 1990er und 2000er Jahren tourte Jethro Tull unermüdlich und veröffentlichte weiterhin Alben, die sich oft an ihrem klassischen Sound orientierten. Die Besetzung wechselte häufig, wobei Anderson und Barre die einzigen Konstanten blieben. Im Jahr 2011 trennten sich jedoch auch die Wege von Anderson und Barre, was für viele das faktische Ende der klassischen Jethro-Tull-Ära bedeutete. Anderson tourt seitdem unter seinem eigenen Namen, spielt aber hauptsächlich Jethro-Tull-Material. Er hat auch unter dem Namen Jethro Tull wieder Alben veröffentlicht, wie „The Zealot Gene“ (2022) und „RökFlöte“ (2023), mit einer komplett neuen Besetzung. Das Vermächtnis von Jethro Tull ist immens. Sie haben bewiesen, dass Rockmusik intellektuell, komplex und gleichzeitig kommerziell erfolgreich sein kann. Ihr einzigartiger Sound, angeführt von einer Flöte, hat sie unsterblich gemacht und Generationen von Musikern beeinflusst.

Die prägenden Mitglieder im Laufe der Zeit

Obwohl Jethro Tull oft als das Projekt von Ian Anderson wahrgenommen wird, haben zahlreiche talentierte Musiker den Sound der Band über die Jahrzehnte geprägt. Die Fluktuation war hoch, doch einige Mitglieder hinterließen einen unauslöschlichen Eindruck.

Ian Anderson

(Gesang, Flöte, Akustikgitarre, Songwriter; 1967–heute) Geboren am 10. August 1947 in Schottland, ist Anderson das Herz, der Kopf und das einzige konstante Mitglied von Jethro Tull. Als visionärer Anführer, Hauptkomponist und Texter definierte er den künstlerischen Kurs der Band. Seine theatralische Bühnenpräsenz, sein einzigartiger Flötenstil und seine komplexen, oft zynischen Texte sind die Markenzeichen der Band. Abseits der Bühne ist Anderson ein erfolgreicher Lachsfarm-Unternehmer und ein engagierter Umweltschützer. Er war zweimal verheiratet, zuerst mit Jennie Franks, die als Co-Autorin des Textes von „Aqualung“ gilt, und seit 1976 mit Shona Learoyd, mit der er zwei Kinder hat: den Musiker James Duncan Anderson und die Schauspielerin Gael Anderson, die mit dem Schauspieler Andrew Lincoln verheiratet ist.

Martin Barre

(E-Gitarre; 1968–2011) Martin Lancelot Barre, geboren am 17. November 1946, stieß nach dem Weggang von Mick Abrahams zur Band und wurde zu Andersons rechter Hand. Sein vielseitiges Gitarrenspiel, das von harten Rockriffs über filigrane Soli bis hin zu zarten akustischen Melodien reicht, war entscheidend für die Entwicklung des Tull-Sounds. Sein Solo auf „Aqualung“ gilt als eines der besten der Rockgeschichte. Die Trennung von Anderson im Jahr 2011 markierte für viele Fans das Ende einer Ära. Barre tourt seitdem erfolgreich mit seiner eigenen Band und spielt sowohl Solomaterial als auch Jethro-Tull-Klassiker.

John Evan

(Keyboards; 1970–1980) John Evan, geboren als John Evans am 28. März 1948, war ein Schulfreund von Anderson. Sein klassisch geschultes Klavier- und Orgelspiel verlieh der Musik von Jethro Tull in ihrer kreativsten Phase eine neue Tiefe und Komplexität. Seine Beiträge auf Alben wie „Aqualung“ und „Thick as a Brick“ sind fundamental. Auf der Bühne war er bekannt für seine weißen Anzüge und sein humorvolles, theatralisches Auftreten. Er verließ die Band zusammen mit Barriemore Barlow nach der stilistischen Wende mit dem Album „A“.

Barriemore Barlow

(Schlagzeug; 1971–1980) Barrie „Barriemore“ Barlow, geboren am 10. September 1949, ersetzte Clive Bunker und wurde von vielen als der technisch versierteste Schlagzeuger der Band angesehen. Sein präzises, kraftvolles und komplexes Spiel war das Rückgrat des Sounds in der Progressive-Rock-Hochphase der Band. Anderson nannte ihn „den größten Rock-Schlagzeuger, den England je hervorgebracht hat“. Nach seinem Ausstieg arbeitete er als Session-Musiker für Künstler wie Robert Plant und Yngwie Malmsteen.

Jeffrey Hammond

(Bass; 1971–1975) Ein weiterer Jugendfreund Andersons, Jeffrey Hammond (oft als Jeffrey Hammond-Hammond bezeichnet), ersetzte Glenn Cornick. Er war nicht nur Bassist, sondern auch eine Inspirationsquelle für mehrere Songtitel („A Song for Jeffrey“, „For Michael Collins, Jeffrey and Me“). Seine Zeit in der Band fiel in die kommerziell erfolgreichste Phase. 1975 verließ er das Musikgeschäft vollständig, um seiner Leidenschaft, der Malerei, nachzugehen. Er blieb der Band freundschaftlich verbunden.

Dave Pegg

(Bass; 1979–1995) Dave Pegg, geboren am 2. November 1947, kam nach dem tragischen Tod von John Glascock zur Band. Als bereits etabliertes Mitglied der einflussreichen Folk-Rock-Band Fairport Convention brachte er starke Folk-Einflüsse mit, die perfekt zur musikalischen Ausrichtung von Jethro Tull in den 80er und frühen 90er Jahren passten. Er spielte parallel in beiden Bands und ist für seinen melodischen und erdigen Bass-Stil bekannt.